lunes, 1 de junio de 2026

2. Constelación Bibliométrica

 CONSTELACIÓN BIBLIOMÉTRICA

Deseo y represión: de la clandestinidad a la visibilidad

En primer lugar, se han relacionado obras como Los placeres prohibidos (1931) y Donde habite el olvido (1934) con la serie Heartstopper (2022) y el videojuego The Red Strings Club (2018).

En la obra de Cernuda, el deseo aparece velado, expresado en forma de confesión íntima o como una experiencia atravesada por la culpa ante una sociedad hostil. El amor no puede mostrarse libremente, reforzando de esta forma su carácter doloroso y reprimido. La poesía se convierte así en un espacio de trasgresión contenida, en el que el deseo homosexual circula entre lo dicho y lo callado.

Frente a ello, la cultura contemporánea propone una evolución significativa. Heartstopper presenta el amor desde un enfoque esperanzador, cotidiano y normalizado, mostrando el amor entre chicos como algo natural y respetuoso. Por su parte, The Red Strings Club explora la identidad y las emociones en un contexto futurista donde el afecto forma parte esencial de la construcción del individuo, y donde el deseo se representa con naturalidad dentro de un sistema que lo controla pero también lo expone.

Esta relación evidencia cómo la representación del deseo ha pasado de la prohibición y el silencio a la visibilidad y la libertad en las narrativas actuales, sin perder, sin embargo, la dimensión conflictiva y ética propia del amor.

Los estudios académicos contextualizan la obra del autor en una sociedad represiva, ayudándonos a comprender el deseo como una experiencia marcada por la culpa y el silencio. A su vez, los componentes contemporáneos evidencian la relevancia del amor y la identidad en representaciones actuales. Todo ello, expone una evolución entre la represión de Cernuda y la libertad actual con la que experimentamos el deseo socialmente.

  • Azim, R. A. A. (2017). Luis Cernuda: realidad, deseo y sanjuanismo. Dicenda, 35, 9.
  • Cernuda, L. (2005). Un río, un amor; Los placeres prohibidos. Cátedra.
  • Despagne, S. D. (2024). Heartstopper: lecturas posibles de un amor adolescente. In XVI Congreso Internacional de Investigación y Práctica Profesional en Psicología. XXXI Jornadas de Investigación. XX Encuentro de Investigadores en Psicología del MERCOSUR. VI Encuentro de Investigación de Terapia Ocupacional. VI Encuentro de Musicoterapia. Facultad de Psicología-Universidad de Buenos Aires.
  • Marquet, J. M. G. (2017, January). Luis Cernuda: Crónica de una homosexualidad anunciada. In Anales de la literatura española contemporánea (pp. 947-967). Society of Spanish and Spanish-American Studies.

  • Oliveros García, J.; López Lizana, A. (2023). Gender Representation and Identity in The Red Strings Club. In L. Yaszek et al (Eds.), The Routledge Companion to Gender and Science Fiction (pp. 248-254). Routledge.

Amor no correspondido y conflicto emocional

En segundo lugar, se ha vinculado Poemas para un cuerpo (1957) con la película Close (2022) y el videojuego Thirsty Suitors (2023).

En la lírica de Cernuda, el amor se presenta como tensión constante: una experiencia marcada por la insatisfacción, el deseo no correspondido y la soledad de no encajar. El poeta siente el cuerpo y el deseo como fuente de culpa y anhelo, y ese amor no correspondido se convierte en el motor de la introspección y la construcción de un yo melancólico y rotundo.

Ese mismo “miedo al otro” que fractura la amistad en Close, o la búsqueda de una identidad auténtica frente a las presiones familiares en  Thirsty Suitors, reflejan la dificultad de amar plenamente en un mundo que no siempre acoge el deseo. La película muestra lo que no se puede decir y el videojuego dramatiza lo que se quiere recuperar.

La constelación permite ver que la frustración amorosa sigue siendo un motor central en la construcción de la identidad. La poesía de Cernuda dialoga así con estas obras, pues todas ellas hablan de amor incompleto, de vínculos no resueltos y de la necesidad de nombrar el dolor para empezar a transformarlo.

El amor no correspondido y la dimensión emocional de Cernuda se observan en estudios críticos como el de Carballo (2002). Mientras que, fuentes primarias y recursos divulgativos nos trasladan poemas donde los sentimientos del autor configuran su identidad. A ello, se añaden  referencias multimodales, que señalan esta cuestión en el presente. 

  • Carballo, R. F. (2002). Luis Cernuda... entre el deseo y la realidad. Pensamiento Actual, 3(4), 2-9.

Exilio y desarraigo: el sentimiento de no pertenecer 

    En tercer lugar, se ha relacionado la vida de Cernuda con los videojuegos Beloved Rapture (2024) y Call of Duty (2003) y la película Nuovo Olimpo (2023).

El exilio de Cernuda fue físico, tras la Guerra Civil Española, pero también interior: un sentimiento constante de ser extraño incluso en su propia identidad y entorno. No se siente aceptado ni por su familia ni por una sociedad que rechaza su condición homosexual. El poeta se convierte en un cuerpo desplazado, que busca un lugar donde el amor y la palabra sean posibles.

En Beloved Rapture, se exploran los traumas emocionales y la búsqueda de identidad, donde el afecto y la memoria se entrelazan con el dolor de lo perdido. En Nuovo Olimpo, el tiempo y la distancia refuerzan la sensación de pérdida y anhelo, y el amor se convierte en un espacio de recuerdos que no se puede recuperar.

Por su parte, Call of Duty, aunque pertenece al género de acción bélica, puede interpretarse simbólicamente como un espacio de desarraigo constante, en el que los personajes viven en escenarios de guerra que impiden cualquier sensación de hogar o estabilidad. Esto permite relacionarlo con la idea del exilio como pérdida de pertenencia y desplazamiento permanente.

La constelación muestra así que el exilio, ya sea físico o emocional, es una experiencia que se repite en contextos distintos, pero con el mismo núcleo: no encajar, no sentirse de ningún lado.

En este caso, los materiales audiovisuales seleccionados refuerzan la idea del exilio, no como hecho histórico, sino también íntimo, ligado al desarraigo de no pertenecer a una sociedad. De esta manera, conocemos a Cernuda como una figura desplazada. Una sensación presente en los videojuegos y la película, donde la memoria, la guerra y la distancia exploran el sentimiento de no pertenecer que sintió Cernuda.

Censura, expresión, visibilidad: la recuperación de la voz 

    Finalmente, hemos vinculado el poema “A un poeta muerto” (1937), dedicado a Federico García Lorca, con la canción “Easy Boy” de La Cruz (2023), la serie Olympo (2025) y el videojuego Horizon Forbidden West (2023).

El poema dedicado a Lorca representa el paradigma de la disidencia silenciada, especialmente en el contexto de la censura franquista, que llegó a eliminar fragmentos relacionados con el deseo y el cuerpo masculino. Esa estrofa censurada es un símbolo de lo que se intenta borra: la verdad del amor homosexual expresada con desnudez lírica.

En contraste, “Easy Boy” expresa el deseo de forma abierta y directa, sin complejos, transformando el cuerpo y la atracción entre chicos en un motivo de celebración y libertad. La serie Olympo visibiliza la discriminación y la lucha por la identidad en el ámbito deportivo y social, mostrando cómo el amor y la diferencia se enfrentan todavía a obstáculos. 

Por su parte, Horizon Forbidden West permite al jugador explorar relaciones afectivas libres dentro de su narrativa, en la que el amor y la solidaridad trascienden las fronteras impuestas por el poder.

Esta comparación muestra el paso de la censura al reconocimiento. Es decir, aquello que en Cernuda era silencio, hoy se convierte en visibilidad. De esta forma, la poesía que se obstaculiza en el pasado se convierte en punto de partida para una cultura que, desde la música y la imagen, proclama que el deseo queer no tiene por qué ocultarse más.

La censura afectó a la expresión del deseo homosexual, convirtiéndo algunos fragmentos en simbologías o metáforas de verdades silenciadas. Estas fuentes refuerzan el concepto de poesía como un espacio en que la voz puede anularse, parcialmente, y ser testigo de la resistencia frente a la opresión. Algo, que no solo se muestra en literatura, sino que constata una evolución al visibilizarse en canciones, series o videojuegos actuales. Estos últimos trasladan el amor queer y tensiones sociales vigentes.

  • Budiño Alló, I. (2024). El género y la sexualidad en los videojuegos: comunidades excluyentes.
  • Castro, A. L. (2000). Luis Cernuda y la canción tradicional. Huarte de San Juan: Filología y Didáctica de la Lengua, (5), 45-60.
  • Insausti, G. (2024). Lorca según Cernuda: sobre «A un poeta muerto (FGL)». Revista de Literatura, 86(172), e38-e38.
  • Gutiérrez Sánchez, O. (2025). Rendimiento, identidad y ética en la modernidad líquida: una lectura sociológica de Olympo.

La identidad como resistencia
    Se han relacionado a Los placeres prohibidos la película Billy Elliot, concretamente, al poema “Si el hombre pudiera decir”; y la película Moonlight al poema “No decía palabras”. También se ha vinculado la película Fight Club al poema “Noche del hombre y su demonio" de la obra Como quien espera el alba. Por otra parte, se ha relacionado una imagen de la escena final de la película Los juegos del hambre con el poema “Los que se aman” de la obra Realidad y deseo, y la canción Creep al poema “Durango” perteneciente a Un río, un amor.
    En primer lugar, en Billy Elliot, Billy es un niño que quiere bailar ballet en un entorno muy violento que se lo prohíbe (la huelga de los mineros británicos de 1984-1985) y tiene que ocultar lo que es para sobrevivir en su propio hogar. Esta es una clara relación al deseo y la represión que observamos en el poema, ya que tanto Billy como Cernuda no están haciendo nada malo, simplemente son lo que son, pero es el propio entorno el que convierte eso en algo peligroso.
    En segundo lugar, en la película Moonlight se cuenta la vida de Chiron, un niño negro que crece en un barrio violento de Miami y descubre que es homosexual en un entorno que también lo hace imposible. Lo más importante de esta película es que ese deseo no se habla en palabras casi nunca, sino que se muestra con miradas, silencios, gestos…  Cernuda en No decía palabras hace exactamente lo mismo: el deseo entre hombres aparece en el poema en el espacio de lo que no se puede decir directamente, en lo que se intuye entre los versos, utilizando el cuerpo como único lenguaje posible. Tanto en el poema (en la obra en general) como en la película se recurre mucho al cuerpo; al tacto, a la piel, a la presencia física como único lugar donde ese deseo puede existir. 
En tercer lugar, en la película Fight Club el narrador crea a Tyler Durden sin saberlo, una versión de sí mismo sin las limitaciones que la sociedad le ha impuesto y sin miedo. Tyler no es un personaje externo: es todo lo que el narrador ha reprimido durante años hasta que ya no cabe más dentro. Cernuda en Noche del hombre y su demonio construye exactamente esa misma estructura: un diálogo entre el “yo” que el mundo ve y la parte de sí mismo que ha tenido que esconder (su deseo, su identidad, su rabia). Además, otra curiosa relación es que la conversación que tiene Cernuda ocurre de madrugada y la película se desarrolla fundamentalmente por la noche; los combates, las reuniones, la destrucción, etc.
En cuarto lugar, la imagen de la escena final de la película nos muestra cuando Katniss y Peeta deciden comerse las bayas venenosas juntos antes que permitir que el sistema los obligue a matarse el uno al otro. Se entiende el concepto de la  muerte como el único acto de libertad que el poder no puede controlarles, lo cual se relaciona directamente con Cernuda, puesto que ante un mundo en el que se le prohíbe ser quien es y amar como ama, no renuncia y acepta todas las consecuencias. Es decir, Katniss y Peeta usan el amor como arma contra el sistema, igual que Cernuda usa la poesía del amor prohibido como arma contra la moral de su época. Los dos convierten el acto de amar en un gesto político. 
En quinto lugar, cuando Cernuda escribe "Durango" lo hace imaginando ciudades americanas porque nunca las ha visitado. Lo importante no es el lugar, sino la sensación de estar en un sitio y no pertenecer a él. En Creep esta aceptación dolorosa también se entiende cuando el cantante ve a alguien especial, pero sabe que no encaja con él; I’m a creep, I don't belong here. Ambas producciones mantienen la misma temática y lo crucial es que esa emoción se desarrolla desde la distancia; Cernuda habla de América desde fuera sabiendo que no pertenece a ese mundo y en Creep se canta a una persona desde la lejanía, sabiendo que no son compatibles.
    La identidad como resistencia constituye uno de los ejes más profundos de la obra de Luis Cernuda. A lo largo de sus poemarios, el poeta sevillano construye una voz que se niega a desaparecer pese a las presiones sociales, morales y políticas que intentan silenciarla. Esta resistencia no es violenta ni ruidosa, pero a pesar de todos los impedimentos y obstáculos que le plantea la sociedad Cernuda sigue siendo quién es.

  • Calabrese, G. (2025). La evolución de la expresión homoerótica en la poesía del exilio de Luis Cernuda. MariCorners: Revista de Estudios Interdisciplinares LGTBIA+ y Queer, 2(2), 65–86. https://doi.org/10.24197/mcreilq.2.2025.65-86
  • Utrera Torremocha, M. V. (2003). Identidad y narcisismo en la poesía de Luis Cernuda. En E. Torre Serrano (Ed.), Medicina y literatura III: Actas del III Simposio Interdisciplinar de Medicina y Literatura (pp. 383–400). Padilla Libros.

El deseo como acto de rebeldía

    El poema “A un muchacho andaluz”, perteneciente a Invocaciones (1934-1935), aborda el deseo amoroso hacia un joven y la imposibilidad de vivir ese amor libremente por la represión social. El yo poético contempla y ama desde el exilio, porque no puede realizarse plenamente en una sociedad que lo condena. El muchacho andaluz se convierte, así, en una figura brillante e idealizada, pero inaccesible.

    En primer lugar, este poema se ha vinculado con la película Call me by your name (2017), donde el deseo entre Elio y Oliver se desarrolla en un espacio aparentemente libre, el verano en Italia, pero que sigue marcado por lo efímero y por aquello que no puede decirse abiertamente. Por lo tanto, hay una resistencia íntima y silenciosa, puesto que los personajes se aman aun sabiendo que las normas sociales vuelven su amor difícilmente realizable.

    En segundo lugar, en el anime Given (2019), el amor entre los protagonistas encuentra una vía más abierta para expresar sus sentimientos gracias a la música, a través de la que consiguen reconciliarse consigo mismos, como le pasaba a Cernuda cuando escribía poesía. Sin embargo, los personajes continúan atravesados por el dolor, el conflicto y la dificultad de exponerse a la mirada pública.

    En tercer lugar, la canción Take me to church (2013) de Hozier manifiesta de forma más directa esta idea, ya que denuncia la represión y la culpa impuesta por la moral. En cambio, convierte el acto de amar en una afirmación radical y en un gesto de resistencia contra la condena social. Esta lectura coincide con la postura de Cernuda, para quien el amor es una verdad íntima que desafía la norma.

    En cuarto lugar, este poema se ha vinculado al videojuego Life is Strange (2015), donde Max y Chloe mantienen una relación en un entorno hostil marcado por la vigilancia, el trauma y la imposibilidad de mostrarse como son. Las protagonistas nos enseñan que amar es un acto de resistencia en un mundo que no permite ser uno mismo. Por tanto, apreciamos en ambos casos una búsqueda de un lugar seguro donde existir y amar sin ser juzgados ni controlados.

    Finalmente, en la obra pictórica Narciso de Caravaggio, el cuerpo masculino aparece representado como un reflejo que es imposible de alcanzar. Narciso se ama a sí mismo en una imagen que nunca podrá poseer, del mismo modo que el muchacho andaluz es para Cernuda una idealización fuera de su alcance. Estas obras representan la permanencia de un deseo que no puede realizarse.

    Todo este recorrido multimodal viene sustentado por el artículo “La evolución de la expresión homoerótica en la poesía del exilio de Luis Cernuda” (2025) de Sergio Baena, donde se analiza la transformación del homoerotismo en la obra de este autor sevillano. En este estudio, se presenta la transición de un amor terrenal hacia uno más contemplativo, con influencias del neoplatonismo y de la mística, casi como una especie de ensoñación con tintes narcisistas. Esta etapa resulta vital para Cernuda, ya que logra expresar su identidad y deseo a pesar del aislamiento social.

  • Baena, S. (2025). La evolución de la expresión homoerótica en la poesía del exilio de Luis Cernuda. MariCorners: Revista de Estudios Interdisciplinares LGTBIA+ y Queer, 2(2), 65-86. https://doi.org/10.24197/mcreilq.2.2025.65-86

La disidencia familiar y social

    Tal como expone Nuria Rodríguez en “Luis Cernuda y el surrealismo francés” (2006), este autor creció en un entorno conservador que lo asfixió debido a su homosexualidad y sensibilidad. La muerte de su padre supuso la desintegración de la familia y, con ello, Cernuda abandonó Sevilla. El rechazo a la opresión y a la falta de afecto en su núcleo familiar se refleja con fuerza y de forma directa en su poema “La familia”, ubicado en Como quien espera el alba (1944). Esta composición presenta su rechazo y muestra cómo la familia, lejos de ser un refugio, se convierte en el primer núcleo de represión contra su identidad. Cernuda denuncia que el hogar es precisamente donde se castiga la diferencia y donde el amor homosexual nace marcado por la incomprensión y el miedo.

    En este sentido, se ha relacionado con la serie Euphoria (2019), puesto que Rue y Jules viven tensiones familiares que invalidan su identidad, pues las vigilan y castigan. Ambas deben ocultarse para sobrevivir, dado que, igual que en el poema de Cernuda, la diferencia a la norma se convierte en un peligro dentro del hogar.

    En segundo lugar, la película Cisne negro (2010) también dialoga con esta composición. La madre de Nina controla a su hija, reprimiendo su autonomía y su deseo. La casa se convierte en un espacio de opresión donde la identidad se fragmenta. En ambos casos, la casa se ve como una cárcel que reprime el deseo y la libertad.

    Finalmente, El grito de Edvard Munch (1893) ofrece una representación visual de la angustia existencial que provoca un entorno opresivo. La figura central grita silenciosamente para reflejar la sensación de asfixia que también apreciamos en el poema de Cernuda. Ambas obras comparten la misma sensación de desamparo y la misma imposibilidad de encontrar un lugar donde ser y existir sin miedo y en plena libertad.

  • Calvo, M. (2017, Julio). El grito. Historia-Arte. Recuperado el 10 de mayo de 2026, de https://historia-arte.com/obras/el-grito 
  • Rodríguez, N. (2006). Luis Cernuda y el surrealismo francés. En Bruña, M., Caballos, M. G., Illanes, I., Ramírez, C. y Raventós, A. (Coord.), La cultura del otro: español en Francia, francés en España (pp. 658-666). Universidad de Sevilla. https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4047492
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